SIMÃO MOTA CARNEIRO
SIMÃO MOTA CARNEIRO moves between painting and drawing, working in a space of contamination between gestures, materials, and time. His process is non-linear and guided by the intuition with which he senses the work itself. He is interested in the interplay between the visible and the hidden, and in matter in transformation.
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How would you describe your practice? My practice lies between painting and drawing, in the space where these two languages intersect and influence each other. I work in this space of friction, where the gesture of drawing brings speed and urgency to painting. My work arises from a need to engage with the world, to digest it, and to question the way I perceive it. It is a way of filtering what surrounds me and understanding what my radar captures. An essential part of the practice is to create the conditions for it to exist, to have time, space, and inner silence. Working with the truth requires availability, and this availability is not always easy to achieve when everything around you pushes you to rush, to be productive, and to achieve results. Practice is also this: this invisible juggling act between what you want to do and what you have to do to be able to do it.
How do you define your work process? My process is not linear; each painting is born with its logic, and my job is to follow that without forcing it to fit into a system. Sometimes, things come suddenly; sometimes, they take weeks or months to develop. Some are built, others are destroyed until something remains that still tells me something. I often paint against what I have painted. Sometimes, I lose interest, or I really can't solve them, and they end up in a corner. Not everything requires salvation, nor does it need to have it. The essential thing is to be present and attentive while I work. The quality of the gaze and this balance between what the eyes see and what the hand does is what structures everything. I am interested in not knowing where I am going. It is in this place of uncertainty that the work is alive. It is necessary to remove the safety net. Above all, I let the work guide me, and I go after it.
How do abstraction and figurative balance each other in your works? I don't make this distinction in my work. Painting, for me, is about matter, with patches of color, lines, overlaps, games of hiding and revealing, different dilutions, layers, accumulations, draggings, and so on. There are paintings in which the visual reference is more apparent and where there is a more direct connection with the observable world; however, this does not stem from a deliberate decision to illustrate. I don't think in these terms while I paint. I am attentive to what is happening. Painting occurs at a different speed than thought (I believe that it is the hand that knows where to go, and the ideal is not to oppose this movement). There are many ways to begin or develop a painting, and even when the initial desire comes from something figurative, this ultimately gets diluted in the interplay of matter within the rectangle. There is always a suppression of what this thing is. Ambiguity interests me because it is this space where the image resists being what it appears to be. Ultimately, a painting is always an accumulation of gestures and matter.
What references, images, or symbols are appearing in your work? The references appear as if they were entered by mistake; they come from everywhere without hierarchy. A repertoire is formed over time, much like an inner archive that is activated intuitively. I do not control what enters; often, I only notice these things that appear later. I am interested in what happens when I place elements that do not belong to the same universe inside the rectangle. This generates friction, resonances, and displacements. It is in this place, where things become disjointed, that painting takes the ground from under our eyes.
Finally, what are you currently working on? I am currently preparing my first solo exhibition, which will be on June 7th at Plato Porto. I am very excited to show my work and take the paintings out of the studio. I am seeing them for the first time, in a way. When the work leaves the studio (and I see it in another space), it is as if another I made them. It is a gratifying experience, finally having the distance to see, with different eyes, what was done. Regarding my studio practice, it is an ongoing process; I am constantly interacting with the world. Currently, I work on larger scales, which gives me greater freedom in my painting. There is a greater confrontation with the rectangle, where I work with the whole body. It is easier to lose control.
SIMÃO MOTA CARNEIRO move-se entre a pintura e o desenho, num espaço de contaminação entre gestos, matérias e tempos. O seu processo é não-linear e guiado pela intuição com que sente o próprio trabalho. Interessa-lhe o jogo entre o visível e o oculto, e a matéria em transformação.
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Como descreverias a tua prática? A minha prática situa-se entre a pintura e o desenho, no espaço onde essas duas linguagens se tocam e contaminam. Trabalho nesse espaço de fricção, onde o gesto do desenho traz rapidez e urgência à pintura. O meu trabalho nasce de uma necessidade de fazer, de digerir o mundo, de questionar o olhar. É uma forma de filtrar o que me rodeia e perceber o que o meu radar capta. Parte essencial da prática consiste em criar as condições para que ela possa existir, ter tempo, espaço, silêncio interior. Trabalhar com verdade exige disponibilidade, e essa disponibilidade nem sempre é fácil de alcançar quando tudo à volta te empurra para a pressa, para a produtividade, para o resultado. A prática também é isso: esse malabarismo invisível entre o que se quer fazer e o que se tem que fazer para o poder fazer.
Como caracterizas o teu processo de trabalho? O meu processo não é linear, cada pintura nasce com uma lógica própria e o meu trabalho é ir atrás disso, sem a obrigar a caber num sistema. Às vezes a coisa vem de repente, outras vezes resiste durante semanas ou meses. Umas são construídas, outras são destruídas até que reste qualquer coisa que ainda me diga algo. Muitas vezes pinto contra o que pintei. Às vezes perco o interesse, ou de facto não as consigo resolver e ficam encostadas a um canto. Nem tudo tem salvação nem precisa de ter. O essencial é estar presente e atento enquanto trabalho. A qualidade do olhar e esse equilíbrio entre o que os olhos veem e o que a mão faz, é o que estrutura tudo. Interessa-me não saber para onde estou a ir. É nesse lugar de incerteza que o trabalho está vivo. É preciso tirar a rede de segurança. Acima de tudo, deixo que o trabalho me guie, e eu vou atrás.
Como se equilibram a abstração e a figuração nas tuas obras? Não faço essa distinção no meu trabalho. A pintura, para mim, tem a ver com a matéria, com as manchas de cor, linhas, sobreposições, jogos de esconder e revelar, diferentes diluições, camadas, acumulações, arrastamentos e por aí fora. Há pinturas em que a referência visual está mais visível e onde existe uma ligação mais direta ao mundo observável; mas isso não vem de uma decisão de querer ilustrar. Não estou a pensar nesses termos enquanto pinto, estou atento ao que vai acontecendo. A pintura acontece a uma velocidade diferente da do pensamento (diria até que é a mão que sabe para onde ir, e o ideal é nem me opor a esse movimento.) Existem muitas formas de começar ou desenrolar uma pintura e, mesmo quando a vontade inicial parte de algo figurativo, isso acaba por se diluir no jogo da matéria dentro do retângulo, Há sempre uma supressão do que essa coisa é. A ambiguidade interessa-me por ser esse espaço onde a imagem resiste a ser o que aparenta. No fundo, uma pintura é sempre uma acumulação de gestos e de matéria.
Quais as referências, imagens ou símbolos que vão aparecendo no teu trabalho? As referências aparecem como quem entra por engano, vêm de todo o lado sem hierarquia. Há um repertório que se vai formando com o tempo, como um arquivo interior que se activa de forma intuitiva. Não controlo o que entra, muitas vezes só me apercebo dessas coisas que vão surgindo mais tarde. Interessa-me o que acontece quando coloco dentro do retângulo elementos que não pertencem ao mesmo universo. Isso gera atrito, ressonâncias e deslocamentos. É nesse lugar, onde as coisas se desencaixam, que a pintura nos tira o chão dos olhos.
Por último, em que estás a trabalhar atualmente? Neste momento estou a preparar a minha primeira exposição individual, que será já dia 7 de junho na Plato Porto. Estou muito entusiasmando por mostrar o meu trabalho e tirar as pinturas do atelier. É como se as fosse ver pela primeira vez, de certa maneira. Quando o trabalho sai do atelier (e o vejo noutro espaço) é como se tivessem sido feitas por outro eu. É uma experiência bastante gratificante, ter finalmente a distância para ver, com outros olhos, o que foi feito. Em relação à minha prática de atelier ela está sempre em andamento, estou constantemente a relacionar-me com o mundo. Neste momento, trabalho com escalas maiores, trazendo-me uma maior liberdade na pintura. Há um confronto maior com o retângulo, onde trabalho com todo o corpo. É mais fácil perder o controlo.
